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1. 法国画家博纳尔被称为“亲密派画家”，其绘画技法如何呢？
2. 艺术或绘画中的表现力从何而来？是天赋吗？

法国画家博纳尔被称为“亲密派画家”，其绘画技法如何呢？

看塞尚的画时，会觉得人物与背景毫不费力地融合在一起，浴女就像石头、斜坡和树木一般的表现手法，在博纳尔的作品中也有异曲同工之妙，他的裸女和人物就像是柱子或墙上的门一样自然，问题来了：法国画家博纳尔被称为“亲密派画家”，其绘画技法如何呢？

“亲密派画家”博纳尔的绘画技法

博纳尔（1867～1947年）是法国19世纪末20世纪初的著名画家，年轻时，他深受高更和日本浮世绘版画影响，但后来又回归到印象派的风格，许多东方画家非常欣赏博纳尔的绘画，因为博纳尔作画时，不只是把现实重现到画中，也将自己的感情涉入画中，足以可见绘画技法卓越超凡，

博纳尔曾说，作画题材随手可得，其中他非常喜欢以自己的妻子为模特，进行创作，他把裸女的肌肤、餐桌的果实、室内的墙壁、窗外树叶的闪耀光影，融入了生活的感觉，因此，博纳尔的另一美称是“亲密派画家”，画出日常家庭生活的平凡景物，表现生活的动态，最常出现的就是妻子高雅的洗澡姿态，

比如，那幅《入浴的裸女》，博纳尔的妻子玛特非常喜欢洗澡，因此他画了许多洗澡的场面，在这幅画中，他以一种新颖的俯视取景方式，使画面情节仿佛有人走进浴室，发现这个躺在浴盆里的女人，开篇说了，博纳尔的作品与塞尚的画有异曲同工之妙，所以，博纳尔也是一个“后印象主义”画家，

值得注意的是，博纳尔画中的女人（无论现实生活中有如何苍老）依旧以少女的姿态出现，像是逆着时光行走，永远不会老去，这种将人物“返老还童”的技法，就连塞尚及一些画家都没办法做到，可见，博纳尔对各种色彩的特性和视觉感受了解掌握的多么出神入化，他的笔触始终都具有活力。

“亲密派画家”博纳尔作品

皮埃尔·博纳尔，法国纳比派代表画家。他的绘画技法主要是大胆的色彩表现与细腻的心理感受相结合，以对自然直接的观察为基础，发展出极具装饰性的独特风格。

纳比派是法国的艺术社团，1891年出现于巴黎，“纳比”出自希伯来语，是先知的意思。虽然纳比派仅延续了十年就闹崩了，但却是一个风格浓烈的艺术派系，为西方现代艺术的成长铺平了道路。

纳比派的特色归纳为两种变形的理论：“客观的变形，它基于纯美学，装饰概念，以及色彩和构图的技术要素；再就是主观的变形，它使画家个人的灵感得以发挥。”

博纳尔在早期作画时，不只是把现实搬到画面里，而是把自己的感情渗入绘画中，描绘出现实的感情画面。他在表现裸女的肌肤、餐桌和果实、室内的墙壁以及窗外树叶的闪耀光影的同时，融入对生活的感受和对自然万物的关怀与祝福。

因此，博纳尔也被一些人称之为“亲密派”画家。他虽然画的是日常家庭生活的平凡景物，画面却是那么的清新悦目和感人。

博纳尔早年收到高更、象征主义和日本浮世绘版画的影响，以对自然直接的观察为基础，发展出极具装饰性的独特风格，被视为衔接印象主义之末与野兽主义之初的新路线。

关于博纳尔的绘画技法，主要特色是他的色彩与光线。

我们知道，

例如：

当你注视一朵鲜艳的红花时，

你的视觉会在红花的边缘外的背景色彩中感受到一些绿色的成分。

当你观察一朵黄花时，

你会发现在这个黄花的投影及边缘背景上有蓝紫色的色彩成分。

这就是我们所说的补色现象。

它是人的视觉色彩平衡系统所产生的一种生理现象。

由于一种纯度较高的色彩相对应的相反成分伴随我们所注视的物体色彩而产生，

以此减弱该物体的强烈色彩对视觉产生的***。

博纳尔是法国近代著名的油画大师，被称为“亲密派画家”，博纳尔对自然界中的色彩与调性的微妙关系做了更大胆的探索。他的绘画作品传递给欣赏者以无比斑斓多彩的艺术效果，这主要是他精湛的绘画技法和艺术风格的审美性。

一、博纳尔以令人信服的感染力，把色彩表现与细腻的心理感受想结合，使对色彩运用，满足了他的审美情感的需要。达到绘画作品审美的艺术效果。

二、人们在欣赏博纳尔绘画作品时，有一种视觉效果传递给大脑思维，将色彩与形状融合在一起鲜艳明亮的震撼，让人们意识到不仅是在欣赏绘画作品，更使人们在听觉、嗅觉、皮肤感觉中体验出的审美感受。

三、博纳尔后期的油画作品有所变化，逐渐放弃早期作品平稳、清晰的线条、色块，转向一种不稳定的，甚至迷乱、松散，带有一种很强的梦幻色彩效果，有时竟是一种气氛，让人们欣赏一幅色彩绚丽的图案。

博纳尔，全名：皮埃尔·博纳尔 ，出生于法国的枫特奈欧罗兹，1889年生活在法国巴黎，他是纳比派的代表画家，早期从事广告和舞台美术设计，画风具有东方趣味，是西方许多画家少有的风格，以印象派画风引领西方绘画艺术，他的画主要以创作油画和版画插图为主，作品多取材室内景、静物和裸体***，画风又受印象主义和新印象主义影响，粗矿豪放，类似中国画的大写意，可以说是西方绘画的一种写意手法，含蓄又不失高雅。代表作有油画《逆光下的女***》、《乡间餐厅》，版画插图 有《 达芙尼与克罗依》、《自然史》等。

艺术或绘画中的表现力从何而来？是天赋吗？

表现力来源于几个方面:

一是模仿。书法，绘画，[_a***_]艺术等都来源于对大自然的模仿，来源于对***作品的模仿。

二是来源于长期的实践。学习艺术都有一定的规律性，方式方法，要经过长期的摸索和实践，才能悟出规律性的东西。这是一个从渐悟到顿悟的过程，没有一定的数量积累就不可能有质的飞跃，古往今来，没有一个***是一拿起笔来就画出最伟大的作品。

三是来源于天赋。天赋这个东西似乎很神秘，但又很具体，比如对形象，图案等有天然偏好，看一眼就记住，还有对书法，绘画，雕塑等艺术有浓厚的兴趣和爱好，艾因斯坦说:"兴趣爱好是最好的老师"。一个人只有对某一事物感兴趣，才能长期坚持下去。而且，可以从中自得其乐，获得成就感，保持极高的热情和创作欲望，才能推陈出新，创造性工作，取得最好的成就。

书圣王羲之把他家小院的鹅池都染黑了，才取得最高成就。

一提到艺术表现力，很多绘画爱好者就会情不自禁的想到达芬奇的《蒙娜丽莎》、米开朗基罗的《创世纪》、拉斐尔的《西斯廷圣母》、鲁本斯的《三美神》，想到安格尔的《泉》、莫奈的《睡莲》、梵高的《星空》，想到毕加索的《格尔尼卡》、马蒂斯的《跳舞的人们》、达利的《时间永恒》，想到徐悲鸿的《马》、齐白石的《虾》等等，为这些艺术***卓越超凡的艺术表现力而叹为观止。

提到艺术表现力，很多人会认为这跟画家的艺术造诣艺术修养人生阅历有着很大的关系，不错，没有成熟老道的绘画技法，没有相当的阅历和见识，是很难创作出充满表现力打动人心的艺术作品的。

但是，做为绘画作品，其艺术表现力虽然体现在画面上，反映的却是创作者全面的综合的艺术创作能力。它不仅包括创作者在绘画的创意、构图、造型和色彩上的技法和把控驾驭能力，还包括创作者的艺术境界和审美眼光，当然还包括创作者的艺术天赋和创作灵感。纵观古今中外大量传世的经典绘画作品，其创作者无一例外的都具备了上述诸方面的要素。

很多画家并不缺少娴熟的绘画技法，临摹他人作品几可达到乱真的程度，但是却创作不出富于表现力的优秀经典作品。这就说明，创作充满艺术表现力的作品，单单具有良好的技法是不够的，还要有独到的审美眼光和非凡的表现手法，而这些跟画家的经历、历练还有天赋、灵感、想象力、机遇都有着不可或缺的关系。比如《蒙娜丽莎》的微笑，《泉》的清纯典雅，《星空》的奔腾旋转，《时间永恒》的神奇想象，《救济金的保管员》的夸张滑稽等等，都对这些作了最好的注解和说明。

就绘画艺术而言，一幅绘画作品中的意境之美、气韵神***等艺术风格，都是绘画艺术表现力的体现，简单地说，绘画作品的表现力，就是呈现给观赏者的视觉效果，问题来了：艺术或绘画中的表现力从何而来？是天赋吗？

艺术或绘画中的表现力

开篇已经简单提到了，一幅绘画作品中的意境之美、气韵神***等艺术风格，都是绘画艺术表现力的体现，当我们知道绘画艺术的表现力是什么时，此时，就有头绪讨论绘画艺术中的表现力从何而来，或是如何形成的，再简单点说，“艺术风格”就是艺术的表现力，

经过上段的简单叙述，我们就容易理解明白了：艺术风格从何而来，艺术表现力就从何而来，那么，艺术风格的形成，除与艺术家或画家自身的师承、家学、名家影响，及继承传统技巧有关外，又与艺术家自身的个性、气质、胆识、艺术素养、审美情趣、立意，以至人品等各方面都有密切关系，

所以，经上段叙述，可得知，艺术或绘画中的表现力，来自于艺术家的传统技巧，如果不具备精湛的创作技巧，一切都是虚***的，就好比，光说不练，***积极，胡乱创作、盲目创新，作品没有达到艺术的标准，就谈不上所谓的艺术风格了，就是这个道理，

可以这么理解，传统技巧是艺术表现力的基础保障，而艺术素养是艺术表现力的核心要素，这后半句话也容易理解，缺少艺术素养的画家，创作出来的作品是无法打动人心的，或许有很直观的视觉感染力，却不会有触动心弦的征服力、震憾力；当然了，传统技巧和艺术素养都是可以通过很多方法提升的。所以，艺术中的表现力，和天赋无关。

佛说，用心观世界。他的意思就是透过现象看本质。艺术感染力也是要用心去感受的。首先，艺术来源于生活，来源于生活的感悟，然后再提炼，用最打动人心的方式表现出来。所以他又高于生活。就拿戏曲来说，她没有拿着针，但从她表情眼神肢体语言上你能感到她在穿针引线，缝补东西，他拿着马鞭或浆，你并没有看到马或船，但你能感到他骑马奔驰或划船。这就是生动的表现力。再看看音乐，你能感受到欢快，悲哀，低低的倾述或大声呼喊。你的眼前会产生一个画面，你会被这个想象的画面感动了，流泪了。这就是音乐的感染力吧。再说说绘画，画面或大气磅礴，或清新淡雅，或神态生动，或感人至深。好的作品有虚实，有渲染，有时留白让你想象，你从中感到作品欢快悲哀感动甚至能让你流泪，那这副作品就是一副好作品，就是富有表现力的作品。艺术或绘画的表现力就是你对生活的感悟在艺术作品中的表现。

一般来说，绘画的表现力需要通过线条、笔触、色彩等要素来体现，绘画天赋是很重要，但更重要的还是娴熟的绘画技法、丰富的生活阅历。以及深厚的文化底蕴。

自古以来，绘画艺术的发展离不开创新。因此，在绘画中创造出具有表现力、时代特征的艺术效果始终是每一位艺术者所应该追求的目标。

比如说油画，大体有两种表现风格,一种是写实性表现风格,另一种是意象性表现风格。当然，普通大众一般都对写实性的绘画风格更为青睐。不管是具象油画，还是抽象油画，油画肌理的表现都是相当重要的。可以这么说，油画肌理在一定程度上传达艺术情感的表现手段,它能给观赏者带来情感上的共鸣。

线条的表现力主要体现在素描和速写的训练中。很多艺术家对不认同学习油画必须具备扎实的素描基础的观点，但是素描的重要性还是能得到大多数艺术家认可的。通过素描训练，可以培养人的细致的观察力和表现力，因为素描训练对画面层次、前后、空间、透视、结构、块面、虚实等都有很精准的要求。速写的主要目的是培养人迅速捕捉人物动态、气氛的能力。可以这么说，磨炼一个艺术家技能的最好途径就是画速写。另外，很多艺术家都有随时画速写的习惯，通过长期的速写积累，可以丰富自己的创作素材，磨炼绘画技巧。

色彩的表现力对于绘画创作的重要性毋庸置疑。大家都惊叹于梵高的《向日葵》用色明快，鲜亮的***使向日葵仿佛成为金色的太阳，这样的色彩不仅具有视觉上的冲击力，还能触动了人们的心灵，极富艺术感染力。

画家在作画时，往往借用色彩的象征性来表达自己的艺术思维和创作意图。印象派出现后，对于光的色彩表现更为科学、理性，画面中光影表现也更为灵动、真实。梵高虽然整个绘画生涯不过10年，却也集中精力对色彩进行过研究，他说:“我很想画一些男人和女人，他们身上有着某种难以捉摸的、永生不灭的东西，这在从前是用光轮来象征的，我们现在就要在我们的颜色的光彩本身和颤抖本身中去寻找”。梵高一次次地画着向日葵，就是这样运用色彩来体现自己内心的激动。

毕加索的作品《三个音乐家》画面上描绘了三个戴面具的音乐家，画面中运用了强烈对比而耀眼的色彩，使你眼花缭乱，试图产生音乐节奏的瞬间动态，灰暗的底色表现是幻想的感觉。应该说，艺术家对于色彩的把握直接体现出独特的创作思维，对于作品的艺术效果有着非同一般的影响。

此外，构图、笔触等绘画元素都对绘画创作的表现力有着直接影响。一幅作品的成功，一定不会只是某一方面的成功，需要整体的艺术创作思维和绘画技法的完美结合。纵观整个绘画史，那些经典的绘画作品莫不如此。

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